PETE LOEFFLER: Voz principal / Guitarra. SAM LOEFFLER: Batería. JOE LOEFFLER: Bajo.
CHEVELLE (pronunciado she-VELL) es una banda de metal alternativa procedente de Rayslake, Illinois y que fue fundada en el año 1994 por los hermanos Pete y Samuel Loeffler. Originalmente la banda era un trío que se completaba con el bajista Matt Scott. Musicalmente desde un principio la banda se inspiró en los riffs tambaleantes de HELMET y la voz suave y agresiva de TOOL, la música del trío de Chicago, CHEVELLE, acumula tensión con un sonido agresivo y pesado hasta explotar en ráfagas de guitarra.
En 1996 el hermano menor de los Loffler, Joe, se convierte en el nuevo bajo de la banda a pesar de solo contar con 14 años de edad. 3 hermanos tocando en la misma banda cuyo nombre estaba inspirado en el coche favorito del padre de familia. Empezaron tocando en fiestas y eventos al aire libre, que rápidamente se convirtieron en presentaciones en clubes de Chicago.
CHEVELLE - "Point #1" (1999)
1. Open
2. Point #1
3. Prove To You
4. Mia
5. Skeptic
6. Anticipation
7. Dos
8. Long
9. Blank Earth
10. Sma
11. Peer
En mayo de 1999 la banda lanzó su álbum debut, "Point #1", que fue producido por Steve Albini, bajo el sello Squint Entertainment. Las 11 canciones del álbum en poco más de 42 minutos de música resulto una de las mayores sorpresas del año. A pesar de que CHEVELLE es supuestamente una banda cristiana, esto era algo que no afectaba en nada a las crudas letras escritas por Pete Loeffler.
La primera canción es una pequeña introducción instrumental de 2 minutos de duración que conduce de forma impresionante a la canción que da nombre al álbum, la cual combina la habilidad de la banda en escribir grandes canciones de rock duro con esas voces evocadoras de Maynard James Keenan de TOOL.
A parir de la tercera canción del álbum la intensidad baja un poco hacia canciones de medio tiempo. La siguiente gran canción es "Dos" que comienza de una forma tranquila y que llega hasta un clímax explosivo, apasionado y que tiene mas emoción en ella que la mayoría de las canciones que puedes escuchar hoy día. "Long" es otra canción que comienza suave antes de estallar. La banda hace uso mucho de este recurso. "Peer" es una pista de cierre bastante fuerte, otra vez, comenzando de forma suave y terminando con una explosión de energía. Las canciones "Point #1" y "Mia" fueron lanzados como singles, e hicieron videos musicales para ambas canciones.
CHEVELLE - "Wonder What's Next" (2002)
1. Family System
2. Comfortable Liar
3. Send The Pain Below
4. Closure
5. The Red
6. Wonder What's Next
7. Don't Fake This
8. Forfeit
9. Grab Thy Hand
10. An Evening With El Diablo
11. One Lonely Visitor
El verdadero lanzamiento de la banda llego tres años después de su debut discográfico cuando la banda firmó con Epic y sacaron "Wonder What´s Next". La banda se decidió a firmar por Epic Records después de oír el álbum "L.D. 50" de MUDVAYNE que pertenecía al mismo sello.
Hay un gran mérito en CHEVELLE y este segundo disco: si nos preguntábamos que podrían hacer estos chicos después de un gran álbum como "Point #1", con "Wonder What's Next", quedaron disipadas todas las dudas y este trío norteamericano continúa con lo derivativo de TOOL, pero colocando en la receta algo de DEFTONES y de HELMET. Sólo tenemos que escuchar los dos primeros temas, "Family System" y "Comfortable Liar". "Send The Pain Below" es una canción que recuerda bastante al "Around the Fur" de DEFTONES.
En "Closure", hay mucho más del TOOL del "Undertow", y es para mí el mejor tema del disco, no sólo es la voz de sino también la textura de la música, a veces tan melódica que sería más comparable a la labor de Maynard James Keenan en A PERFECT CIRCLE, pero con la agresividad vocal de TOOL. La lírica y la guitarra del líder Pete Loeffler hablan del tan recurrido tema del dolor, el encierro y la sanación. Casi no hay solos de guitarras, sino puros power riffs y montones de melodías en los coros; todo muy nü-metal pero sin rapeos, lo que les llevaría más cerca de STAIND o TOOL que de DEFTONES o KORN.
"The Red" es otra gran canción y fue escogida como primer single del disco. A destacar sobre todo la rabia desatada en los coros, con una estrofa plagada de arpegios misteriosos. Pete Loeffler demuestra que es un tremendo vocalista, y en cosa de años ha expandido su rango vocal y el repertorio no son sólo sus riffs, sino con tres tipos de voces diferentes, entre las que destaca el grito primario, porque si hablásemos de su puro instrumento en las cuerdas hay cambios de ritmo (y de peso) que es otra cosa en la que CHEVELLE ha avanzado... una gran distancia. Los temas, aunque unos puedan gustarte más que otros, están perfectamente construidos, con esto quiero decir que hay dinámica como para hacer de temas parecidos cosas diferentes, como en la excelente "An Evening With El Diablo" superando la marca del tema "Wonder What's Next"; aquí sí lo hacen sonar como TOOL y con la voz de Keenan de TOOL y no de A PERFECT CIRCLE.
Finalmente la canción que cierra el disco es sorprendentemente acústica, pero no a la manera de un hit-single como el "Outside" de STAIND, sino como un track grabado en vivo en un garaje. "Wonder What's Next" es de estos típicos discos cargados a la "angustia", letras que hablan de desesperanza y de cielos cubiertos de nubes grises, pero también es de aquellos que te pueden hacer alivianar tu propia carga emocional y hasta sentirte un poco más liviano en tu propia carga de demencia y paranoia. Creo que para ello está el cierre de "One Lonely Visitor".
En julio del año 2002 el álbum se hizo platino y el segundo sencillo "Send The Pain Below" estaba en el número 1 de las radios. Los éxitos que empezaban a cosechar les valieron para presentarse en el Ozzfest ese verano y embarcarse en una gran gira europea teloneando a AUDIOSLAVE.
CHEVELLE - "Live From The Road" (2003)
1. Family System
2. Forfeit
3. Point #1
4. Until You're Reformed
5. Send The Pain Below
6. Sma
7. Wonder What's Next
8. Mia
9. Grab Thy Hand
10. The Red
En Noviembre del año 2003 la banda edita su primer álbum en directo. A mi entender este lanzamiento fue algo precipitado y quizás deberían haber esperado a tener un tercer álbum para sacar un directo realmente completo. "Live From The Road" presenta solo 10 canciones extraídas de los dos álbumes en estudio de la banda "Point #1" y "Wonder What's Next". Sólo presenta la novedad de la inclusión del tema "Until You're Reformed" que fue publicada originalmente en la banda sonora de la película "Daredevil" dirigida por Mark Steven Johnson en el año 2003.
CHEVELLE - "This Type of Thinking (Could Do Us In)" (2004)
1. The Clincher
2. Get Some
3. Vitamin R (Leading Us Along)
4. Still Running
5. Breach Birth
6. Panic Prone
7. Another Know It All
8. Tug-O-War
9. To Return
10. Emotional Drought
11. Bend The Bracket
Sin lugar a dudas para una banda como CHEVELLE que no venden millones de discos lo tienen muy difícil para sobrevivir en el mundo de la música pero el segundo álbum cumplió de sobra con las expectativas del nuevo sello discográfico y dos años después ya tenían preparado la nueva entrega con la que la banda pensaba seguir demostrando que podían seguir evolucionando. Su tercer álbum, "This Type of Thinking (Could Do Us In)" fue lanzado en Septiembre del año 2004 y escogieron el tema "Vitamin R (Leading Us Along)" como primer single y alcanzo el número uno de las listas Mainstream Rock Chart de la MTV.
"The Clincher" fue el siguiente single. Se trata del tema que abre el disco y fue utilizado como banda sonora oficial del juego Madden NFL 2005. Otro tema a destacar es "Still Running" del cual la banda utilizo una primera versión que fue incluida en la banda sonora de la película "The Punisher" que fue dirigida por Jonathan Hensleigh en el año 2004.
El álbum se convirtió rápidamente en disco de oro según la RIAA (Recording Industry Association of America). La promoción del álbum vino de la mano de una gira americana con TAPROOT y 30 SECONDS TO MARS haciendo las veces de teloneros. Para finalizar el año hicieron una gira por grandes recintos teloneando a NICKELBACK.
MARK HUNTER: Voz principal. MATT DEVRIES: Guitarra ritmica. ROB ARNOLD: Guitarra principal. JIM LAMARCA: Bajo. CHRIS SPICUZZA: Electrónica. ANDOLS HERRICK: Batería.
La palabra CHIMAIRA, pronunciado, (ki-meer-a), se deriva de un monstruo de la mitología griega antigua, el Chimaera. Formado de tres partes - la cabeza de un león, el cuerpo de una cabra y la cola de un dragón - el Chimaera infundía el miedo en los corazones de muchos. Haciendo una comparación, podríamos decir que la música de CHIMAIRA, puede considerarse un ataque de agresión pura en varias capas, duras melodías y un contenido lírico que roza el lado mas oscuro de la emoción humana e infecta todo aquello con lo que entra en contacto.
CHIMAIRA fue fundada en 1998 por Jason Hager, guitarrista de los desaparecidos ASCENSION. La primera intención de Hager era crear una nueva banda de Nu-Metal liderada por él y el cantante Mark Hunter, anteriormente en una banda de Cleveland llamada SKIPLINE. La fuerza vocal de Mark unido a su capacidad de escribir buenas canciones le convertían en el aliado ideal. Después de duros ensayos y de una búsqueda exhaustiva, la familia CHIMAIRA quedo compuesta por la siguiente formación: Mark Hunter (Cantante), Rob Arnold y Jason Hager (Guitarristas), Andols Eric (Batería) y Rob Lesniack (Bajo).
CHIMAIRA - "This Present Darkness" [EP] (2000)
1. This Present Darkness 2. Painting The White To Grey 3. Divination 4. Sphere 5. Lend A Hand
Estos cinco chicos de Cleveland de actitud implacable y con ansias de éxito obtuvieron su primer triunfo al vender más de 10.000 copias de su primer EP que editaron con un sello independiente (East Coast Empire Records), "This Present Darkness". A pesar de todo, a la semana de estar grabado el álbum, se incorpora al grupo Chris Spicuzza con la idea de aportar toques electrónicos al sonido de la banda. Y para finalizar, la banda se rompe con la marcha de Rob Lesniack que es sustituido por Jim LaMarca. Con la formación estabilizada, CHIMAIRAconsiguió rápidamente un gran número de fans gracias a las giras, Internet y la radio - particularmente la cadena 93X de Minneapolis y WSOU de New York. También la banda realizo una buena demostración de su potencial actuando en shows televisivos como FARMCLUB y durante el año 2000 telonearon a grandes bandas como MACHINE HEAD, SOULFLY, HATEBREED, SPINESHANK y SNAPCASE.
Una de las anécdotas mas destacadas relacionadas con la banda sucedió durante la entrevista en una radio de Cleveland con el mega grupo de Des Moines Slipknot el cual, obligo al entrevistador a parar la entrevista con la banda para escuchar el tema de CHIMAIRA"Dead Incide".
CHIMAIRA - "Pass Out Of Existence" (2001)
1. Let Go 2. Dead Inside 3. Severed 4. Lumps 5. Pass Out Of Existence 6. Abeo 7. Sp Lit 8. Painting The White to Grey 9. Taste My... 10. Rizzo 11. Sphere 12. Forced Life 13. Options 14. Jade
En Marzo del año 2001, la banda unió sus fuerzas con el reconocido productor Mudrock (GODSMACK, POWERMAN 5000) para crear las 14 feroces y emocionales pistas de ese engendro mecánico llamado "Pass Out Of Existence" - el debut discográfico de la banda con el prestigioso sello Roadrunner. Musicalmente, el álbum capturaba el sonido de la firma CHIMAIRA: los intensos riffs de las guitarras, las brutales líneas de Bajo, la electrónica intrincada y esa batería de doble pedal todo mezclado con armonías refinadas y brillantes melodías. El sonido de CHIMAIRA no se puede clasificar dentro del sonido Nu-Metal de hoy ni dentro de los dioses clásicos del metal. CHIMAIRA toma los mejores elementos de ayer y de hoy.
Los 14 temas de "Pass Out Of Existence" son estudios de la miseria de la condición humana y del dolor que nos causamos a nosotros mismos y a los demás. "Sp Lit", destaca por sus riffs y armonías. "Painting The White To Grey" es una exploración sónica de la miseria y la autodestrucción. Esta canción nos lleva a las mismas profundidades de la miseria humana para continuar cavando en lo más profundo de cada uno. Otros de los temas destacados es la pista que da titulo al disco "Pass Out Of Existente". Y para finalizar, "Jade" un tema de mas de 12 minutos que es un autentico viaje esquizofrénico en la locura, fusionando bellamente el sonido electrónico y el metal mas poderoso - un claro exponente de lo que CHIMAIRA es capaz de ofrecer con su música.
CHIMAIRA - "The Impossibility Of Reason" (2003)
1. Cleansation 2. Impossibility of Reason 3. Pictures in the Gold Room 4. Power Trip 5. Down Again 6. Pure Hatred 7. Dehumanizing Process 8. Crawl 9. Stigmurder 10. Eyes of a Criminal 11. Overlooked 12. Implements of Destruction
Con su nuevo disco de sangre hirviente, "The Impossibility Of Reason", CHIMAIRA se planteaban establecer un nuevo ente: 'New Wave Of American Heavy Metal' (la nueva ola del heavy metal americano). Como bien sabe cualquier historiador/crítico/fan del heavy metal, los años 80 vieron la invasión de grupos de heavy metal británicos como IRON MAIDEN y VENOM entre otros. Esto fue llamado 'New Wave Of British Heavy Metal' o NWOBHM. CHIMAIRA liderará la carga de la NWOAHM en su país con "The Impossibility Of Reason", un disco que está libre al 100% de modas. Armados con una gran ética de trabajo y un disco tan potente que hace que nos olvidemos de sus trabajos anteriores, CHIMAIRA muestra que tiene metal en su ADN.
"Pass Out Of Existence" es la fundación de CHIMAIRA, pero el grupo casi no tuvo tiempo de disfrutar sus laureles cuando empezaron a trabajar en "The Impossibility Of Reason". Antes, CHIMAIRA tuvo que reponerse a la marcha de Jason Hager guitarrista fundador de la banda que dejo la formación en el año 2002 debido a que quería quedarse junto a su mujer que estaba embarazada. Matt DeVries que era como un hermano para Jason acabo reemplazándolo. Jason Hager continuó su carrera después de ser padre fundando una nueva formación llamada [SHENOA]. "Este es un disco mucho más maduro", dice el cantante Mark Hunter. "Pero al mismo tiempo es más directo. Tanto como si se trata de una canción muy dura, de una melódica o una tranquila". Los fans de CHIMAIRA se van a encontrar con lo que buscan y también algo más. "Todo lo que apasiona a nuestros fans está incluido junto con algo distinto", ofrece Hunter. Mientras otros grupos temen al cambio, CHIMAIRA lo abrazan en varios niveles en "The Impossibility Of Reason".
En cuanto al sonido, CHIMAIRA se centraron en crear un disco que no sonase como las modas actuales del metal. "The Impossibility Of Reason es menos futurista que el disco anterior. La programación es subsónica, y tiene un estilo sintético más oscuro", explica Hunter. "Los tonos menores y bajos hacen que te sientas dentro del disco. Es el trabajo más oscuro que hemos hecho. Hemos cambiado las afinaciones. Nos hemos afinado en Do, la tonalidad más oscura". Resaltando el sonido más oscuro y mejor de CHIMAIRA están las nuevas voces que utilizó Mark Hunter. En directo tuvo la capacidad de explotar su voz y en el estudio encontró voces que nunca había utilizado antes y que no sabia que tenía.
"Down Again" define la habilidad dinámica de CHIMAIRA. "Pure Hatred" es la canción más demoledora, lo cual es algo que nos indica el nombre directo de la canción (Puro Odio). "Esa es la canción con la que se identificará todo el mundo. Es el acto final de venganza y el estribillo dice 'odio a todo el mundo'", dice Hunter. La canción es devastadora, lo suficiente para ser comparada con el himno de 'jódete' de la canción "Walk" de Pantera. La canción del título del disco, según Arnold, tiene trazos de velocidad de la guitarra y una batería alocada y "un groove por el que somos conocidos. Entonces el estribillo le golpea al oyente como un saco de ladrillos. Cuando comienza el final te das cuenta que este es un grupo que ha cambiado y de que estás escuchando algo especial".
CHIMAIRA muestra su lado ambicioso en "The Impossibility Of Reason". La última canción del disco, "Implements Of Destruction", es un tema épico. "Estamos intentando resurgir el instrumental épico", dice Hunter. "No se ha hecho desde hace bastante tiempo. Este va más allá de la épica. Dura 12 minutos y en ellos les pagamos tributo a algunos de nuestros grupos de metal favoritos".
CHIMAIRA - "The Impossibility Of Reason" [LIMITED EDITION] (2004)
CD 1 1. Cleansation 2. Impossibility of Reason 3. Pictures in the Gold Room 4. Power Trip 5. Down Again 6. Pure Hatred 7. Dehumanizing Process 8. Crawl 9. Stigmurder 10. Eyes of a Criminal 11. Overlooked 12. Implements of Destruction 13. Army Of Me (Bonus Track)
CD 2 1. Indifferent To Suffering 2. Without Moral Restraint 3. Fascination Street 4. Let Go (Demo) 5. Pass Out Of Existence (Demo) 6. Severed (Demo) 7. Forced Life (demo) 8. Dead Inside (Demo) 9. Power Trip (Live) 10. Cleansation (Live)
Un año después de ver la luz "The Impossibility Of Reason", se edita una versión limitada con 2 CDs donde se incluían algunos bonus tracks descartados durante la grabación del álbum y otras rarezas que hacen de este álbum una autentica joya de coleccionismo. El tema con el que cierran ahora el primer CD es “Army Of My” que fue incluida por CHIMAIRA en la banda sonora de la película “Freddy Vs. Jason”. Entre lo más destacado de los temas incluidos en el segundo CD, destacaría sin lugar a dudas la versión demo del tema “Dead Inside”. Realmente esa es la versión original con la que me enamoré de este grupo.
CHIMAIRA - "The Dehumanizing Process" (2004)
CD 1. This Present Darkness 2. Painting The White To Grey 3. Divination 4. Sphere 5. Lend A Hand 6. Empty 7. Silence 8. Gag 9. Refuse To See
DVD (Roadrage Tour 2003) 1. Powertrip 2. Cleansation 3. Severed 4. Eyes Of A Criminal 5. Down Again 6. Dehumanizing Process 7. Pure Hatred
"The Dehumanizing Process", es el debut en DVD de CHIMAIRA y se compone de dos discos: 1 DVD de 90 minutos de duración, con un documental en el que verás todo lo que ha rodeado a Chimaira en los últimos dos años, y un CD con el EP "This Present Darkness" con bonus tracks.
CHIMAIRA - "Chimaira" (2005)
1. Nothing Remains 2. Save Ourselves 3. Inside The Horror 4. Salvation 5. Comatose 6. Left For Dead 7. Everything You Love 8. Bloodlust 9. Pray For All 10. Lazarus
Su álbum homónimo, salió en agosto del 2005 y la banda vuelve a desmostrar que han madurado enormemente como músicos, yendo hacia terrenos más complejos de ámbito progresivo, tomando influencias, en ciertos momentos del disco, de grupos como OPETH o MESHUGGAH. Así pues, nos encontramos con temas como "Inside The Horror" o "Lazarus", donde nos muestran su faceta más experimental, destacando la labor del guitarrista Rob Arnold y del nuevo baterista Kevin Talley (ex-MISERY INDEX); y por otro lado con "Save Ourselves" y "Comatose", que nos recuerdan que no se les ha olvidado su lado más directo y brutal, con Mark Hunter gritando como nunca.
"Chimaira" no es un trabajo en el que encontrarás ni melodías empalagosas, ni estribillos pegadizos. Además, la media de los temas roza los 6 minutos, por lo que no es un disco que entre de primeras, sino que es con el paso del tiempo y según se van acumulando las escuchas cuando se logra disfrutar por completo del mismo. Lo más lógico hubiera sido que después del single "Down Again", de su anterior "The Impossibility of Reason", el grupo se hubiera dirigido hacia terrenos más comerciales, como han hecho miles de grupos en sus circunstancias, pero CHIMAIRA han demostrado que son distintos al resto, y que el salir en la MTV no ha influido lo más mínimo en su trayectoria. Han creado, pues, una auténtica joya de disco que les llevará sin dudarlo a lo más alto del metal.
CLINT BOGE: Voz principal. KURT GOEDHART: Guitarra principal. BEN HALL: Batería. GLENN ESMOND: Bajo.
Hoy voy a irme hasta el otro lado del globo para hablaros de una banda australiana que hace solo unos días han sacado a la luz su segundo álbum. Originarios de la pequeña localidad costera de Brisbane, THE BUTTERFLY EFFECT comenzaron a hacerse bastante conocidos en la escena underground gracias a la grabación de un EP independientemente con seis temas en noviembre del año 2001. El EP fue producido por Dave Leonard y lanzado a través de un sello local independiente llamado Modern Music. Rápidamente, la estación de radio australiana Triple J comenzó a promocionar a la banda y los calificó como la banda de rock del nuevo milenio con lo que rápidamente obtuvieron el reconocimiento que les permitió autofinanciarse.
En enero del 2002 la banda fue invitada a tocar en el "Big Day Out" debido al creciente interés levantado por la banda en el país. Como consecuencia, la banda fue contratada para telonear a varios grupos importantes por todo el país y al mismo tiempo fueron despertando el interés de las grandes compañías discográficas. En mayo del 2002 THE BUTTERFLY EFFECT y Modern Music llegaron a un acuerdo con Roadshow Music y empezaron una colaboración que dura hasta hoy día.
A mediados del 2002 el EP había llegado al TOP 20 en las listas de música independiente del país. El single "Take It Away" alcanzó el Nº1 en la radio Triple M. En noviembre de 2002, un año después de que THE BUTTERFLY EFFECT hubieran lanzado el EP y con alrededor de 150 actuaciones en directo incluidos todos los festivales importantes de Australia, la banda lanzó el single "Crave". Entro directamente en la lista de singles del país en el puesto 59 y nuevamente lograron copar las listas independientes del país durante los siguientes seis meses. THE BUTTERFLY EFFECT habían logrado la mayoría de edad y estaban listos para sacar su primer álbum.
THE BUTTERFLY EFFECT - “The Butterfly Effect” [EP] (2001)
1. Black Lung 2. The Cell 3. Take It Away 4. Sweet & Low 5. Pure 6. Perfection
El sonido del EP ha sido influenciado obviamente por muchas bandas de metal y alternativas, y si te gusta este tipo de música seguro que quedaras atrapado por el sonido que te presentan estos chicos australianos. SEVENDUST, DEFTONES y TOOL son la influencia principal de su música. Clint Boge es el alma de la banda y demuestra que su voz es una de las más interesantes que han surgido en los últimos años. Kurt Goedhart demuestra su destreza con brillantes riffs como podemos escuchar en “Sweet & Low”. En general, THE BUTTERFLY EFFECT realizan una gran trabajo en los 6 temas del mini-álbum pero son los temas “The Cell” y “Take It Away” los que mas me gustaron donde destaca la sólida batería y unos grandes coros. Realmente se te hace corto y te quedas con ganas de escuchar más.
THE BUTTERFLY EFFECT - “Begins Here” (2003)
1. Intro 2. Perception Twin 3. Consequence 4. One Second of Insanity 5. Crave 6. Beautiful Mine 7. Filling Silence Intro 8. Filling Silence 9. Always 10. Without Wings 11. Overwhelmed 12. A.D 13. Outro
“Begins Here” fue grabado durante varias secciones entre Noviembre del 2002 y Marzo del 2003 en los Modern Music Studios de Brisbane (Australia). El álbum estaba producido por Dave Leonard el cual era también el manager de la banda. Mientras la grabación se terminaba, la banda trataba de buscar un mezclador que permitiera completar el álbum. Después de enviar demos del álbum a varios mezcladores, finalmente fue Tim Palmer (U2, PEARL JAM, OZZY) el que decidió encargarse del trabajo. El guitarrista Kurt Goedhart y Dave Leonard pasaron dos semanas con Tim en los Westlake Audio de Los Angeles supervisando la mezcla antes de que el trabajo quedara totalmente terminado con la ayuda de Howie Weinberg en New York en Mayo del 2003.
El álbum fue lanzado en Australia el 4 de Agosto del 2003. “Begins Here” debutó directamente en el puesto Nº 24 de la lista de álbumes del país y copo el primer puesto de las listas independientes durante 56 semanas. En abril de 2004 Modern Music consiguió la ayuda de los encargados de Collective Music en el Reino Unido para lanzar el álbum en varios países europeos. Los repartos de la distribución del álbum fueron puestos en manos de RSK para el Reino Unido, Sony para Alemania y Suburban para Bélgica, Holanda y Luxemburgo.
Las pistas primera, séptima y decimotercera del álbum son simplemente intros con música ambiental y atmosférica, así que realmente “Begins Here” tan solo tiene 10 temas de música real. “Perception Twin” es un buen tema para abrir el álbum y THE BUTTERFLY EFFECT consiguen que entres de una manera animada. Quizás el nivel baje un poco con los dos siguientes temas “Consequence” y “One Second Of Insanity” pero las cosas mejoran drásticamente sin embargo con “Crave” que es para mi una de las mejores del álbum con un Clint Boge dejando un listón muy alto.
Uno de los momentos mas álgidos del álbum llega con “Beautiful Mind” un tema con una letra llena de energía. La novena pista “Always” quizás pueda ser considerada la mejor del álbum y es donde la banda demuestra el nivel al que pueden llegar tanto a nivel melódico como musicalmente hablando. De todas formas, sería muy difícil quedarse con solo una canción de este gran álbum de debut.
THE BUTTERFLY EFFECT - “Imago” (2006)
1. Imago 2. Aisles Of White 3. Gone 4. Slow Descent 5. Reach 6. Before They Knew 7. In A Memory 8. This Year 9. Signs 10. Everybody Runs 11. End
El pasado día 17 de Junio se produjo el esperadísimo regreso discográfico de THE BUTTERFLY EFFECT. “Imago” fue escrito y arreglado por la banda y grabado por el productor americano Joe Barresi en los Sound City Studios de Los Angeles. Este álbum es la verdadera prueba de la maduración definitiva de la banda.
Con una variedad de estilos en cada canción, “Imago” transporta al oyente por un viaje sonoro donde destaca sobre todo la fuerza de sus emotivas letras los brillantes e intensos arreglos musicales. Nuevamente vuelve a destacar la impresionante capacidad vocal de Clint Boge como podemos comprobar sin lugar a dudas en “A Slow Descent” que además es el primer single escogido del nuevo álbum. La pesada guitarra de Kurt Goedhart está presente a lo largo de varios temas, y vuelve a demostrar su capacidad a la hora de escribir melodías creativas y riffs más sólidos. La sección del ritmo con Glenn Esmond al bajo y Ben Hall a la batería provee a de una base sólida a la banda que ayuda a crear una atmósfera realmente sorprendente.
Con este segundo álbum THE BUTTERFLY EFFECT se han propuesto dar el salto definitivo y están dispuestos a conquistar nuevos territorios. Si con su EP de debut la banda vendió mas de 15.000 copias en Australia y con el primer larga duración pasaron de las 33.000 copias en Autralia y más de 10.000 más en el Reino Unido, ahora con “Imago” esperan entrar en más de 14 paises incluido el dificil mercado americano. Abre tus oídos, y deja que THE BUTTERFLY EFFECT entren en tu mundo.
MATTHEW TUCK: Guitarra / Voz principal. MICHAEL PADGE: Guitarra principal. JASON JAMES: Bajo. MICHAEL THOMAS: Batería.
Hacia tiempo que no escribía nada nuevo pero no pasaba por mis mejores momentos en el plano personal y además he estado un poco liado con el trabajo. Antes de nada, quería dar las gracias a todos los que han dejado comentarios en mi blog y me han escrito animándome a seguir con este proyecto.
A la hora de retomar esta nueva etapa de mi blog he pensado que no había mejor grupo del que poder hablaros que de este grupo de metal llegados desde el país de Gales. Hacia tiempo que ya había podido escuchar alguna maqueta de ellos que me había bajado de Internet pero fue a raíz de mi pasado viaje a UK para celebrar el fin de año junto con unas amigas y mi ex, cuando pude conseguir los dos discos que tenían editados hasta la fecha. Desde entonces BULLET FOR MY VALENTINE es lo único que suena en el CD de mi coche mientras voy recorriendo las calles de Sevilla.
Originalmente la banda se formo en el año 1999 con el nombre JEFF KILLED JOHN mientras que estudiaban música en la universidad de Bridgend. Comenzaron haciendo versiones de canciones de NIRVANA y METALLICA hasta que en el año 2002 lanzaron un mini-CD con dos temas ("You"/"Play With Me") gracias a Pynci una empresa que se dedicaba a ayudar a los nuevos músicos de Galés.
Producido por Greg Haver, las canciones parecían encaminar al grupo hacia el saturado mercado del nu-metal, pero al menos les ayudo a difundir su música y hacer alguna que otra actuación en directo. Incluso durante un tiempo fueron representados por el cantante de VISAGE Steve Strange.
Más o menos la cosa parecía funcionar e incluso estaban a punto de comenzar a grabar una primera maqueta cuando el bajista Nik Crandle decidió dejar la formación justo un día antes. Fue un duro golpe para los jóvenes galeses que se vieron obligados a aparcar su proyecto. "Fue un paso a tras. Fue como si me hubieran dado una patada en los cojones pero esto nos hizo a nosotros más fuertes", dijo Matthew Tuck.
JEFF KILLED JOHN se replanteo su estrategia, recluto al bajista Jason James y comenzaron a trabajar en el sonido del grupo. Decidieron que debían empezar de cero por lo que lo primero que hicieron fue cambiar de nombre y así nació BULLET FOR MY VALENTINE.
En febrero de 2004 la banda ya estaba preparada y comenzó a hacerse un nombre dentro de la escena alternativa de Londres lo cual comenzó a llamar la atención de las grandes compañías discográficas. Estuvieron a punto de firmar con el sello Roadrunner, pero al final no se concreto. Así hasta Octubre del 2004 cuando BULLET FOR MY VALENTINE puso su firma en un contrato de 5 álbumes con SONY/Visible Noise.
BULLET FOR MY VALENTINE - "Bullet For My Valentine" (2004)
1. Hand Of Blood 2. Cries In Vain 3. Curses 4. No Control 5. Just Another Star
El debut de la banda fue el 15 de Noviembre del 2004 con la salida de un EP con 5 canciones. El álbum fue producido por Colin Richardson (FEAR FACTORY, HAMLET) y mezclado por Andy Sneap. El CD también incluye material adicional incluyendo el video del tema "Hand Of Blood", las letras de las canciones y una galería fotográfica de la banda.
Rápidamente surgieron comparaciones inevitables con sus compañeros de sello LOSTPROPHETS, pero BULLET FOR MY VALENTINE son mucho más duros, mucho más ruidosos y su propuesta es mucho más arriesgada. Solo hay que oír el tema principal "Hand Of Blood" donde la banda fusiona el metal de la vieja escuela con el hardcore moderno. "No Control" y "Cries In Vain", mientras tanto, destacan por sus épicos riff y sus cambios vocales de Matthew Tuck.
BULLET FOR MY VALENTINE - "Hand Of Blood" [EP] (2005)
1. 4 Words (To Choke Upon) 2. Hand Of Blood 3. Cries In Vain 4. Curses 5. No Control 6. Just Another Star
El éxito de los galeses llegó a oídos de las radios americanas que no paraban de hablar de estos chicos. Ante este nuevo mercado que se abría a BULLET FOR MY VALENTINE, lograron llegar a un acuerdo con compañía de hardcore neoyorquina TRUSTKILL Records y de este modo, distribuir su música en los Estados Unidos. De este acuerdo surgió un nuevo EP que vería la luz el 23 de Agosto del 2005 y incluía las 5 canciones editadas en UK más el tema "4 Words (To Choke Upon)" que era un adelanto del disco que estaban terminando de grabar.
BULLET FOR MY VALENTINE - "The Poison" (2005)
1. Intro 2. Her Voice Resides 3. 4 Words (To Choke Upon) 4. Tears Don't Fall 5. Suffocating Under The Words Of Sorrow (What Can I Do) 6. Hit The Floor 7. All These Things I Hate (Revolve Around Me) 8. Room 409 9. The Poison 10. 10 Years Today 11. Cries In Vain 12. Spit You Out 13. The End
Por fin el álbum de debut de la banda estaba preparado para golpear los oídos de todos los que esperaban con entusiasmo el primer larga duración de estos prometedores chicos. El disco salio en UK el 3 de Octubre de 2005.
Grabado nuevamente bajo las ordenes del productor Colin Richardson, la banda nos presenta nos presenta 13 temas con casi una hora de duración. Sin lugar a dudas, se trata de uno de los mejores álbumes que he oído este año. Quizás al principio puedan recordarte al sonido del disco “Acendancy” de TRIVIUM pero a mi personalmente me parecen mucho más originales.
El disco comienza con una “Intro” de chelos interpretada por el grupo finlandés APOCALYPTICA. Entre los temas a destacar están “Her Voice Resides” que es una de las canciones mas heavys. “Tears Don’t Fall” que es una de las mas épicas con un gran riff y letras cuidadosamente elaboradas. “The Poison” que es la canción que da titulo al disco y es una gran canción que sin lugar a dudas será uno de los singles que editara el grupo. Por último destacaría “All The Things I Hate (Revolve Around Me)” que quizás sea la mas tranquila del álbum y con seguridad sonara en las radios de todo el mundo.
Esta banda ha sabido esperar y dar el salto en la dirección correcta. ¿Qué aporta el cuarteto a la escena? Metal moderno, agresión, melodías súper gancheras y voces que interactúan entre las melódicas (cercanas al emo) y las mas gritadas que se sumaban a un sonido increíble y unos riff verdaderamente épicos.
La pregunta es (como ya nos hemos preguntado varias veces), si no sucederá con esta banda lo mismo que pasó con el trillado new metal de finales de los 90’s. El tiempo nos lo dirá.
JARED LETO: Guitarra / Voz principal. TOMO MILICEVIC: Guitarra principal. MATT WACHTER: Bajo. SHANNON LETO: Batería.
Desde California, y capitaneados por el actor Jared Leto ("Requiem por un Sueño", "El Club de la Lucha"), 30 SECONDS TO MARS huyen de los topicos del metal actual para ofrecernos una apuesta realmente refrescante. Atmósferas etérea se unen a poderosas guitarras y melodias casi hímnicas.
30 SECONDS TO MARS es toda una experiencia hipnótica. En primeras escuchas, su sonido podria recordanos notablemente a los experimentos de retrofuturismo decadente de bandas como ORGY (especialmente, en el fantástico "Vapor Transmission"), pero todo va mucho más allá. Las composiciones de 30 SECONDS TO MARS son todo una amalgama de sensaciones. Un monstruoso híbrido de adrenalina y asepsia, caos serenidad, melodias apabullantes y guitarras afiladas como cuchillas. Metal para el siglo XXI, bajo una ormula secreta que promete un futuro todavía mas brillante.
JARED LETO
Nació el 26 de diciembre de 1971 en Bossier City en el estado americano de Luisiana. En la niñez y tras el divorcio de sus padres, Jared Leto vivió junto a su hermano Shannon y su madre Constance en varios estados y lugares, incluyendo sitios tan dispares como Hawaii, California o Colorado.
Estudió arte en al Universidad de Filadelfía con la intención de convertirse en pintor, pero abandonó la carrera para iniciar clases interpretativas en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Su primer trabajo fue como escritor y protagonista de una película universitaria llamada "Crying Joy". Aunque sólo era un trabajo de la universidad, fue para Jared el impulso que necesitaba para mudarse a Los Angeles y buscar suerte en Hollywood.
En 1992, Jared se hizo popular en los Estados Unidos gracias a la serie de televisión "My So-Called Life" y a protagonizar en el año 1994 junto a Alicia Silverstone la película para televisión "The Cool and the Crazy".
Su debut cinematográfico se produjo en el año 1995 como Beck, un personaje secundario de la pelicula "How to Make an American Quilt" (pelicula protagonizada por Winona Ryder y que fue traducida al castellano con el título "Donde reside el Amor"), un film dirigido por Jocelyn Moorhouse.
En 1996, logró el sueño de todo actor: protagonizar una película para cine. Su compañera de aventuras fue Christina Ricci y la película se llamaba "The Last of the High Kings" ("El año que murió Elvis") y estaba dirigida por David Keating. Ese mismo año, fue escogido como una de las 50 personas mas guapas según la revista PEOPLE.
Mientras su popularidad entre las quinceañeras crecía, en 1997 participó en dos películas. Encarno al legendario corredor Steve Prefontaine, en la pelicula de Disney "Prefontaine" dirigida por Steve James, así como un personaje secundario en "Switchback" ("Secuestro"), thriller protagonizado por Dennis Quaid y Danny Glover y dirigido por Jeb Stuart.
Al año siguiente protagonizo junto a Christian Slater, la poco exitosa "Basil" que fue dirigida por Radha Bharadwaj y el film de terror "Urban Leyend" ("Leyenda Urbana") realizado por Jamie Blanks.
La carrera cinematografica de Jared parecía estancarse en papeles poco relevantes donde contaba más su apariencia físia que sus dotes como actor. Tratando de desencasillarse, decidió dar un giro a su carrera y realizar algunos papeles secundarios en películas mas relevantes como el teniente segundo Whyte en "The Thin Red Line" ("La delgada línea roja") título belico dirigido por Terrence Malick, Casey en "Black And White" de James Toback, 'Cara de Angel' en "Fight Club" ("El club de la lucha") de David Fincher, el novio de Winona Ryder en "Girl, Interrupted" ("Inocencia interrumpida") de James Mangold y Paul Allen, el primer yuppie que Christian Bale mata en "American Psycho" dirigida por Mary Harron.
A pesar de sus esfuerzos, parecía que la carrera de Jared iba en picado, hasta que en el año 2000 Darren Aronofsky le dío un papel que marcaría su vida: sería Harry Goldfarb, un adicto a la heroína en la aclamada película "Requiem For A Dream" ("Requiem por un sueño"). Aunque no estuvo mal, Harry no logró sacarlo de su racha de papeles secundarios. En el 2000 pudimos verlo como Glen Walter en "Sunset Strip" dirigida por Adam Collins, y al año siguiente como Jack Hayes en "Highway" de James Cox.
En el año 2002 le llego una nueva oportunidad de la mano de su amigo David Fincher. Jared se metia esta vez en la piel de Junior, el poco inteligente e imitador ladrón de "Panic Room" ("La habitación del pánico"). A pesar de que no estuvo mal, Jared comenzo a darse cuenta de que necesitaba un nuevo cambio en su vida y decidio volcarse en su otra pasión queera la música. Desde hacia tiempo tenía una banda y ese fue el momento ideal para centrarse en grabar un disco. Así nacio 30 SECONDS TO MARS un grupo que a día de hoy, con solo dos discos en el mercado ya son una de las bandas de culto para muchos jovenes.
De todas formas, la idea de Jared es seguir compaginando sus dos facetas: como actor y como cantante. Por eso, lo podimos ver recientemente interpretando a Hephaistion en "Alexander" ("Alejandro Magno") de Oliver Stone. Y lo podremos ver proximemente junto a Nicolas Cage y Ethan Hawke en la película de Andrew Niccol "Lord Of War" (Ver Trailer).
Además, la prensa rosa no para de perseguirlo pues fue novio de las actrices Cameron Díaz y Kristi McDaniel. Se le rumoreo una relación con la mismisima Britney Spears y su actual pareja es la tambien actriz Scarlett Johansson que recientemente se ha echo un hueco entre las mejores actrices de Hollywood con papeles relevantes en peliculas como "Lost In Translation" de Sofia Coppola y "Girl With A Pearl Earring" ("La joven de la perla") de Peter Webber.
30 SECONDS TO MARS - "30 Seconds To Mars" (2002)
1. Capricorn [A Brand New Name] 2. Edge Of The Earth 3. Fallen 4. Oblivion 5. Buddha For Mary 6. Echelon 7. Welcome To The Universe 8. Mission 9. End Of The Beginning 10. 93 Million Miles 11. Year Zero
Producido por el mítico Bob Ezrin (PINK FLOYD, KISS), 30 SECONDS TO MARS echan mano a todo un mundo de simbología e imágenes iconográficas desde su propio nombre (el irremediable acercamiento vía hipervelocidad hacia Marte, aka el Dios de la Guerra) y logran irresistibles momentos como el single "Capricorn [A Brand New Name]" un perfecto resumen de lo que vamos a encontrar a lo largo del disco. Programaciones a lo largo de todo el tema, y un estribillo rompedor. Le sigue "Edge of the Earth", un tema en la misma tónica en el que se atreven incluso a juguetear con guitarras acústicas. En "Fallen" encontramos un tema de desarrollo bastante lento, con un regustillo a TOOL que te deja muy buen sabor de boca. "Oblivion" continua la tónica general del disco, un Jared Leto que se sale cantando, y un inicio que se te queda en el cerebro.
Mención especial merece la espléndida "Buddha For Mary" (o cómo mezclar sci/fi con religión plasmando una historia real) o las sencillamente memorables "Welcome To The Universe" y "93 Million Miles", demostrando que si bien en el mundo del metal ya está todo inventado, pueden darle la vuelta a unos cuantos conceptos para conseguir algo realmente fascinante.
30 SECONDS TO MARS supone un interesante viaje lleno de matices e influencias, desde ORGY a TOOL con la mesiánica "Fallen" o incluso ALICE IN CHAINS en el tema que cierra el álbum "Year Zero" y su críptico coro. Pero no veais espejismos donde no los hay. Lo cierto es que la banda de Jared Leto tiene un potencial enorme que no ha podido verse mejor reflejado en este debut. Un resultado tan sólido como éste parece estar hecho para durar en el tiempo. Como la más poderosa aleación jamás creada. Como una cápsula de los recuerdos, conteniendo todo aquello que debe conservarse para generaciones venideras flotando por el espacio. Como un pequeño clásico en su género. Tiempo y espacio. Caos y calma. Religión y ciencia-ficción. Treinta Segundos para llegar a Marte. El futuro es de ellos.
30 SECONDS TO MARS - "A Beautiful Lie" (2005)
1. Attack (Vídeo) 2. A Beautiful Lie 3. The Kill 4. Was It A Dream? 5. The Fantasy 6. Savior 7. From Yesterday 8. The Story 9. R-Evolve 10. A Modern Myth 11. Battle of One 12. Hunter
Mucho tiempo antes de la salida de “A Beautiful Lie” ya se habia podido escuchar “Attack”, el single adelanto de este álbum, y del que recientemente se ha grabado un video-clip. Ya desde ese primer corte se aprecia la continuidad de su sonido; un aire envolvente, unas guitarras que intentan transportar a una especie de viaje de sueños. La voz de Leto suena tan dulce como potente, una mezcla perfecta de sutileza y agresividad en algunos momentos. “The Kill” es otra de las piezas destacadas, de nuevo con aire ambiental, y un gancho increíble con la voz de Leto; más emotivo y de atmósfera más triste, continuando esa línea el tema que da título al álbum, con un sonido más suave, solo potenciado en su estribillo.
La tranquilidad se apodera del oyente con “Was It A Dream”, mucho más tranquilo que el resto de temas, y de ritmo un poco monótono; la calma dura poco, ya que “The Fantasy”, a pesar de su comienzo algo pausado, posee cambios de ritmo hacia un estribillo veloz y duro. “Savoir”, a pesar de contener mucha fuerza, es una de las canciones más desapercibidas del disco, en contraposición a “From Yesterday”, mi favorita, de calidad enorme, y emotividad desbordante, con Leto pletórico.
La emoción continúa con “The Story” y “R-Evolve”, de otra manera, mucho más suave, pero con el mismo gancho que en el resto de temas, si bien el segundo de ellos cuenta de nuevo con ese cambio potente en los estribillos.
En una primera versión del disco que se filtró por Internet, el álbum se cerraba con “A Modern Myth”, tema acústico y melancólico, que podía considerarse como el cierre ideal para un disco triste. Entre la filtración y lo corto que resultaba el álbum, para la versión definitiva, el grupo ha añadido dos temas más que no te dejarán indiferente.
Que nadie se engañe, es un disco más sencillo que el primero, sin complicaciones pero que logra transmitir multitud de sensaciones. Si en su primer álbum me recordaron en cierto modo a ORGY. En este, a pesar de no haber cambiado mucho su sonido, me recuerdan, simplemente, a ellos mismos. Merecen una escucha.
JEREMY STANLEY: Voz principal. BRIAN CHRISTENSEN: Guitarra principal. TOM COLLINS: Bajo. JOSHUA ZIRBEL: Batería.
Salt Lake City en el estado de Utah es un sitio difícil para los grupos de rock. No hay mucho lugares buenos donde tocar. Las leyes estrictas sobre el alcohol y los valores conservadores se han cargado totalmente la escena de bares y rock en general. No hay muchas bandas que hayan hecho historia allí. Quizás puedan ser un caso excepcional, pero en esta ciudad tan aburrida ha aparecido un nuevo grupo a destacar... ACROMA.
Tom Collins y Brian Christensen empezaron a tocar juntos hace como unos diez años. Se juntaron a algunos amigos que tenían en común y que querían montar un grupo, pero ninguno savia prácticamente tocar. Eran horribles pero se lo pasaban en grande, así que Tom y Brian decidieron seguir intentándolo incluso después de que los otros lo dejaran. Por aquella época, Jeremy se estaba uniendo a su primer grupo como guitarra y cantante, y Josh estaba tocando la batería en Texas. Seis años después, Tom y Brian colgaron anuncios para encontrar un batería y un catante para un nuevo proyecto que querían hacer. Tras numerosas pruebas, dieron con Josh que fue quien le puso más cojones y pasión a la batería que ninguno de los anteriores, así que se unió al grupo. El último en unirse al grupo fue Jeremy que cuando hizo la audición, sorprendió con unas letras y unas melodías muy buenas.
ACROMA - "Orbitals" (2003)
1. Careless Ones (Intro) 2. Sun Rises Down (Mp3) 3. Sweat (Mp3) 4. Wash Away (Some Desert Night) (Mp3) 5. Don't Think Just Move 6. Motive 7. Perfect 8. Big Karma Now 9. [Untitled Track] 10. Orbitals 11. On That Day 12. Slow Down 13. Take the Pain
Resulta difícil que un sello como UNIVERSAL decida jugársela y apostar por unos chicos desconocidos que estaban empezando en esto de la música. Quizás el hecho de que Sylvia Massey Shivy (TOOL, MACHINES OF LOVING GRACE, POWERMAN 5000) se fijara en ellos y se animara a producirles su álbum de debut, les debió de abrir alguna que otra puerta. Pero si aposto por ellos, esta claro que algo le llamo la atención en esta joven banda. A Sylvia Massey siempre la ha gustado probar cosas diferentes, extrañas. Le encantan los pequeños detalles en los discos. No es agobiante, y solo trata de sacar lo mejor del artista.
ACROMA es el termino medico utilizado para designar algo que carece de color pero con “Orbitals” la banda demuestra que es un grupo con muchos matices creando un rock moderno con personalidad y fuerza. Este álbum lo compre original en la tienda TRACK RECORDS de la ciudad inglesa de York y desde la primera escucha, se ha convertido en una de la mas increíble experiencia sonoras que he tenido en mi vida. Su estilo puede traerte rápidamente a la memoria bandas como LIVE, STIR y CAVE-IN pero ACROMA es una banda que tiene un sonido bastante personal.
Por momentos y gracias a la atmósfera que logran crear en sus canciones, pueden traerte a la memoria a bandas como TOOL y A PERFECT CIRCLE. Realmente me estremecí cuando escuche por primera vez el tema "Don't Think Just Move" y se ha convertido en uno de mis temas favoritos del álbum.
Otro de los temas a destacar es "Sun Rises Down" que fue el primer single que edito la banda y viene precedida por una pequeña intro llamada “Careless Ones”. Según mi opinión, “Orbitals” es uno de esos álbumes que va ganando con cada escucha. Se trata en general es una mezcla de temas de rock moderno melódico como “Wash Away (Some Desert Night)” y “On That Day” y un rock mas clásico con buenos riff de guitarra como queda demostrado en canciones como “Motive” y “Orbitals” (tema que da nombre al álbum).
A pesar de todo y por las últimas noticias que tengo, creo que la banda puede haberse separado después de haber roto con la compañía discográfica. Incluso la página Web de la banda ha dejado de funcionar. Si esto se confirma, sería una verdadera pena y nos quedaremos sin saber como hubieran podido evolucionar estos chicos en un futuro.
DREW MAILLOUX: Voz principal. DAVE GILLETT: Guitarra principal. TYLER HALL: Batería. SEAN RYDQUIST: Bajo.
Hoy vamos a dedicarles un espacio a unos casi recién llegados a este fascinante universo musical. RISHLOO es una joven banda llegada desde Seattle (Washington) que sorprenderá gratamente a los amantes de bandas como TOOL y A PERFECT CIRCLE. La verdad es que la voz de Drew tiene un gran parecido con la de Maynard James Keenan.
Basado en experiencias personales, e inspirados por los desafíos relevantes del ser humano y la música de grandes artistas, RISHLOO combina todas esas influencias con un emocionalmente e intenso rock moderno, logrando crear una experiencia musical original y familiar. Con una intención infalible y un estilo imaginativo, RISHLOO están dispuestos a comenzar una nueva revolución musical que atrapará a todos aquellos que estén dispuestos a darles una oportunidad.
RISHLOO es una de esas bandas que va funcionando gracias al boca a boca de los que han tenido la suerte de escucharlos y a la notoria publicidad que lograron gracias al mundo de Internet. Hasta la fecha, la banda ha distribuido unas 5.000 copias de un EP de tres canciones, la mayoría en el área de Seattle, pero con solicitudes desde otros estados y de países tan lejanos como Australia. Bueno, ahora España también puede meterse en esa lista porque hace solo unos días pude hacerme con una copia de su álbum de debut “Terras Fames”. Desde que se formo la banda a finales del 2002, sus actuaciones han sido muy bien recibidas y gustan por igual a jóvenes y a mayores.
RISHLOO - "Terras Fames" (2004)
1. Romance of a Dead Kingdom (Mp3) 2. The Passage 3. Blitz 4. Harlequin 5. Seven Rings Left 6. The Water is Fine (Mp3) 7. Lovely Room (Mp3) 8. Fenris 9. Narcissist Code 10. Illumination 11. Terras 12. Fames
En agosto del año 2004, por fin RISHLOO logra editar su álbum de debut titulado “Terras Fames”. Quizás lo que más me gusta de este álbum es que cada canción podrían ser dos diferentes. 3 minutos de un estilo y a mitad de la canción, esta cambia de forma radical enfocándose el tema en otra dirección bastante diferente. Si oímos el tema “Harlequin”, uno de mis temas favoritos de “Terras Fames”, podemos observar como comienza de una forma lenta y dulce para cambiar de forma radical con una guitarra bastante mas agresiva. Ese final siempre me deja como atontado.
En una canción como “Romance of a Dead Kingdom”, la banda logra que los instrumentos no eclipsen la maravillosa voz de Drew. Y es que la voz de Drew es hermosa, capaz de ser al mismo tiempo dulce y amarga, seductora y segura. E incluso en las canciones mas duras como “Blitz” o “Illumination”, su voz va subiendo de nivel poco a poco conforme evoluciona el tema.
A pesar de que las comparaciones con TOOL o A PERFECT CIRCLE son inevitables, encuentro que “Terras Fames” es un álbum bastante original. Espero poder escuchar muchos mas discos de RISHLOO en un futuro y ver como siguen evolucionando. Tienen toda una vida por delante. ¿A que esperas para hacerte con este CD?.
GAVIN HAYES: Guitarra lateral / Voz principal. MARK ENGLES: Guitarra principal. DREW ROULETTE: Bajo. DINO CAMPANELLA: Batería.
¿Qué seria del arte sin los genios? Esos iluminados con el coraje suficiente para crear algo nuevo una y otra vez. Esos artistas que no se dejan llevar por las tendencias ni las modas, sino que siguen su propio camino. DREDG son, sin lugar a dudas, genios en lo que a música se refiere, y al mismo tiempo se han convertido en una de las grandes esperanzas del rock moderno. Llegan desde el pequeño pueblo de Los Gatos en el estado de California, golpeándonos con su agro metal desde mediados de los 90 y ganándose una gran fama en el área de clubes de las localidades cercanas antes incluso de que ellos lograran graduarse en la escuela. Además, DREDG fue votada como uno de las 5 bandas mas solicitadas (junto a DEFTONES, KORN, POWERMAN 5000 y RAGE AGAINST THE MACHINE) del año 1997 por la radio W.E.R.S. de la ciudad de Boston. Hemos de tener en cuenta que en ese año, la banda solamente tenía editado un pequeño EP titulado “Orph” que solo tenia 3 canciones.
En mi primer blog (BIENVENIDOS AL PARAISO), ya hice una pequeña referencia a esta banda poniéndola como un claro ejemplo de un grupo que ha sabido utilizar Internet para poco a poco salir del ostracismo mas absoluto y ser hoy día una de las bandas de culto para muchos jóvenes de todo el mundo. Como genios que son, seguramente jamás obtengan en vida la notoriedad que su buen hacer musical se merece por eso hoy toca rendir un homenaje a una de las bandas que mas me han marcado en los últimos años.
Me gustaría contaros la historia de cómo los descubrí yo. Para ello, tenemos que remontarnos a finales de los años 90, yo solía intercambiar música con Rafa (Pro-Noise) un amigo cordobés que conocí en el portal Metal XXI. El fue el que me hablo de estos chicos y el que me paso una copia en formato mp3 de su disco “Leitmotif”. Desde que ese disco llego a mis manos, quede verdaderamente enamorado de esos músicos, de ese nuevo sonido y de la energía que desprendía. En diciembre de 1999, me hizo un regalo que nunca podré olvidar y que siempre guardare como oro en paño. Se trataba del CD original del álbum “Leitmotif”. Una copia hoy día de coleccionismo porque de esa grabación original, solo existen unos cientos de copias en el mundo. ¿Cómo se hizo mi amigo Rafa con una de ellas? Bueno la realidad es que consiguió 3 copias originales debido a que contacto con cantante de la banda y le envió un libro de Dalí que es el pintor favorito de Gavin Hayes. Una de esas copias, Rafa me la regalo todavía precintada incluso. Hoy día, es posible conseguir ese álbum en muchas de las numerosas tiendas de Internet aunque no se trata de la versión original, sino una remasterización que se realizo a raíz de que el grupo firmara con INTERSCOPE RECORDS.
DREDG - "Leitmotif" (1999/2001)
1. Symbol Song 2. Movement I: @ 45ºN, 180ºW 3. Lechium 4. Movement II: Crosswind Minuet 5. Traversing Throught The Artic Cold We Search For The Spirit Of Yuta - Intermission - 6. Movement III: Lyndon 7. Pinguins In The Desert 8. Movement IV: RR 9. Yatahaze 10. Movement V: 90 Hour Sleep
Tratar de explicar las sensaciones que provoca en mí este álbum, es como intentar describir la perfección y como eso, según dicen muchos no existe, debe de ser imposible. Por lo tanto, no solo puedo limitarme a hacer una simple crítica, porque “Leitmotif” es la revelación de mi existencia. Aparte de ser el más bello y apasionado álbum que yo he oído en mi vida, posee una increíble cantidad de poder. Cuando me pongo a escucharlo, por momentos desearía ponerme a llorar y por momentos desearía soltar mi ira sobre todas esas personas que me han hecho daño en mi vida.
“Leitmotif”, comienza con la canción “Symbol Song”, llamada así porque el título de la canción es un símbolo que no pede ser creado con el teclado. Esta canción es realmente la ideal para abrir el álbum y fue también la primera canción con la que la banda se promociono por Internet. “Lechium” es mi canción favorita y en ella DREDG logra abducirnos con su eléctrica mezcla de rock y música del mundo trasportándonos a un nuevo nivel. Durante el álbum, la banda combina instrumentos como violoncelos, piano, xilófono, y varios instrumentos de percusión de diferentes lugares del planeta. Conforme vamos escuchando las diferentes partes del álbum, la melodía van siguiendo la historia de una forma lineal con canciones como “Traversing Through the Artic Cold We Search for the Spirit of Yuta” con Shannon Harris de SPIKE 1000 como cantante invitado, “Penguins in the Desert” que es la canción con las partes vocales mas duras de todo el disco y “Yatahaze” otra de mis favoritas. Se puede decir que este disco hay que verlo como una única canción de 45 minutos de duración.
Normalmente, una banda tiene que lanzar dos o tres álbumes para demostrar el talento que ellos tienen. Sin embargo, DREDG, con este álbum y un mini EP, se habían convertido en la banda mas talentosa del momento. Perfecta música creada para mentes creativas. DREDG es para la música lo que Michael Jordan fue para el baloncesto o lo que Jesucristo es para el cristianismo.
DREDG - "El Cielo" (2002)
1. Brushstroke: dcbtfoabaaposba 2. Same Ol' Road 3. Sanzen 4. Brushstroke: New Heart Shadow 5. Triangle 6. Sorry But It's Over 7. Convalescent 8. Brushstroke: Walk In The Park 9. 18 People Live In Harmony 10. Scissor Lock 11. Brushstroke: Wind At The End 12. Of The Room 13. An Elephant In The Delta Waves 14. It Only Took A Day 15. Whoa Is Me 16. The Canyon Behind Her
Tras un par de años de larga espera, por fin ve la luz el segundo disco de la banda que lleva el título de “El Cielo”. Con este disco vuelven a demostrar lo importante que es intentar superarse como músicos para poder llegar a un nivel más alto. La evolución fue bastante palpable, eliminando buena parte de la agresividad que aparecía en su anterior disco, y centrándose mas en crear una atmósfera que involucre por completo al oyente.
No solo no volvieron a defraudar a nadie, sino que se reafirmaron como grupo de culto para muchos. Su sonido no es fácil de explicar con palabras. ¿PINK FLOYD? ¿TOOL? Vale, algunas semejanzas si que hay… pero para cualquiera que haya escuchado algunos de sus discos con detalle es obvio que van mucho más allá. Bellas canciones cargadas de melodía y emotividad se mezclan con interludios con los que consiguen introducirte en su mundo, y una vez dentro, es imposible salir. Haciendo uso de extraños instrumentos (a su frontman Gavin Hayes le gusta coleccionar instrumentos propios del folklore de cada país, incluyendo uno que suele utilizar con forma de jamonera…) o de otros mas clásicos como un violín, la variedad de matices existentes es casi infinita. De hecho cada vez que escuchas este disco descubres nuevos detalles. La versatilidad que vuelven a demostrar todos sus miembros tocando es digna de elogio.
Así pues, tras diversas escuchas a este disco. He intentado descifrar los diversos entornos que nos pretenden desvelar DREDG. Para mi se trata de un álbum conceptual repleto de referencias a la naturaleza (visto desde el título de su disco en castellano), a la vida, a la magia, al misticismo. Musicalmente hablando, la positividad del ser humano, sus rasgos más profundos se intentan profundizar desde el comienzo con lo que nos transmiten en canciones bellas, minimalistas como “Same Ol' Road” (con su complemental introducción llamada “Brushstroke: Dcbtgoabaaposba” que nos desplaza a ambientes espiritualmente muy cargados), continuando con el excelente “Sanzen” que nos transporta a un climax auditivo exquisito. Pocas veces he disfrutado tanto con un grupo. Otro de los momentos álgidos para este segundo album de los chicos de Los Gatos [CA] está en “18 People Live In Harmony” canción de tesis acústica y que evidencia claramente el mensaje positivo que nos expresan (en el fondo yo creo que tienen vocación de monjes franciscanos). Otra canción que destacaré también de sus 16 composiciones (entre canciones con letra e interludios) es “It Only Took a Day”, tema progresivo con más recurrencia en las guitarras que incluso podría haberse firmado por algún grupo del momento como un gran hit.
En definitiva, ¿alguien sabe lo complicado que es hacer un disco perfecto? Muchísimo ¿Y crear dos discos perfectos? Pues casi imposible, solo al alcance de unos pocos escogidos. Si no les has escuchado todavía no se en que estas pensando y si lo has hecho felicidades, este disco es uno de los motivos por lo que la música puede considerarse un arte.
DREDG - "Catch Without Arms" (2005)
1. Ode To The Sun 2. Bug Eyes 3. Catch Without Arms 4. Not That Simple 5. Zebraskin 6. Tanbark Is Hot 7. Sang Real 8. Planting Seeds 9. Spitshine 10. Jamais Vu 11. Hungover On A Tuesday 12. Mastroshka [Launch Player]
La tercera creación de la banda se hizo esperar 3 años pero ya podeis disfrutar de ella. A pesar de no poseer el desparpajo de "Leitmotif" ni la complejidad de "El Cielo", DREDG muestran sin tapujos su lado más accesible y directo, avanzando un nuevo paso dentro de su particular evolución. Con lo que si que vas a seguir disfrutando es con la maravillosa voz de Gavin Hayes, que vuelve a dar una exhibición como cantante superándose a si mismo, la nítida producción del respetado Terry Date y con toda la parafernalia de instrumentos que la banda ha ido recogiendo a lo largo de sus ya mas de 10 años de dilatada carrera del folklore de diversos países, con mención especial a la guitarra lateral (traducción libre de slide guitar).
"Ode To The Sun" sirve brillantemente como tema introductorio, precediendo al primer single "Bug Eyes", del cual ya se ha lanzado un video en el que se puede ver precisamente a Gavin tocando la guitarra anteriormente mencionada o al talentoso Dino Campanella tocando al mismo tiempo la batería y los teclados. A lo largo del disco iremos descubriendo otros temas como "Sang Real" o "Planting Seeds", los cuales nos acercan a los tiempos de "El Cielo", el dinámico "Tanbark" en el que Mark Engles se desmelena mostrando de largo las guitarras mas agresivas del disco (hasta se puede escuchar a Gavin Hayes gritando), o la preciosista balada "Matroshka" con la que se cierra el álbum.
Otro punto importante en el disco son las letras, que como en todos sus trabajos, DREDG nos vuelve a presentar un disco conceptual, centrándose en esta ocasión en los contrastes entre opuestos (el Yin y el Yang, lo positivo y lo negativo) y más exactamente en las existentes entre las conversaciones y las relaciones que tienen lugar entre las personas.
En definitiva, un disco con el que la banda ha pasado de un sonido abstracto y lleno de detalles a algo más terrenal que seguramente les abrirá nuevos mercados y al mismo tiempo creará sus primeros detractores. Una nueva metamorfosis tal y como rige el símbolo de la portada (modificación del símbolo chino utilizado para referirse a "cambio"), santo y seña de la banda desde sus orígenes. "Catch Without Arms" seguramente no sea clasificado como clásico, pero de momento, y salvo sorpresa mayúscula, tiene muchas papeletas para convertirse en uno de los discos del año.
Estos son DREDG, un grupo verdaderamente innovador y con los que descubrirás nuevas sensaciones. ¿A que esperan los promotores españoles para traerlos a tocar aquí? ¿Cuándo podré ir a comprarme un álbum de esta banda a una tienda de discos de mi ciudad? ¿Quién coño asesora musicalmente a las grandes compañías? ¿A que esperáis para conseguir los discos que tienen editados esta banda hasta la fecha? Bienvenidos a su Universo.
Me llamo Juan Antonio y me gustaría poder aportaros una nueva y diferente visión del panorama musical. Si de verdad sientes pasión por la música, siéntate y disfruta descubriendo nuevos sonidos que te trasportaran hasta un nuevo paraíso.
